15 tips esenciales de ecualización 5:58 AM

En el intento de hacer que los elementos de una mezcla suenen más grandes, claros y definidos, el ecualizador es la herramienta clave que los ingenieros usan. Pero tal vez mucho más que cualquier otra herramienta, el uso del ecualizador al igual que uso del compresor requieren una habilidad que separa al ingeniero promedio del ingeniero experto.
En este articulo vamos a ver: ¿Qué buscamos lograr cuando ecualizamos?, los 6 rangos de frecuencias en la música, una lista de frecuencias mágicas que generalmente predominan en algunos instrumentos y 15 tips esenciales de  ecualización.
Si llegaste hasta aqui leyendo entonces estás interesado, asi que sigue leyendo!

¿Qué buscamos lograr con un ecualizador?
Según Bobby Owsinsky en su libro titulado "The Mixing engineer's handbook" existen tres metas principales cuando usamos un ecualizador:

• Lograr que un instrumento se escuche más claro y definido.
• Lograr que el instrumento o mezcla se escuche mas grande e impresionante.
• Lograr que todos los elementos "quepan" en la mezcla acomodando frecuencias para que cada instrumento tenga su propia frecuencia predominante.

6 rangos de frecuencias en la música
 Estos son los 6 rangos de frecuencias que yo considero al estar mezclando. Mi idea personal es de que para que una mezcla se escuche bien estos 6 rangos deben estar en armonia, me refiero a que deben estar bien representados y con intensidades coherentes con la producción. Digo coherente con la producción porque la relación que existe entre estos 6 rangos varia si la producción es pop, rock, hip-hop o cualquier estilo.
Antes de examinar algunos métodos de ecualización, es importante que tomemos en cuenta estos 6 rangos de frecuencias y el efecto que tienen en lo que escuchamos. Podemos separar todo el espectro de frecuencias en 6 partes, cada uno de ellos teniendo un impacto enorme en el sonido final que escuchamos. 
Bajo Subsónico
Este es el rango entre 16 y 40 Hz que generalmente se siente más de lo que se escucha. Este rango no es muy utilizado en la música pero si en las peliculas para generar el sonido de un trueno distante o algún efecto especial.
Bajos
El rango entre 60 y 250 Hz provee las notas fundamentales de la sección ritmica. Asi que si ecualizas esta sección puedes modificar el balance ritmico o armónico haciendo que la música se escuche muy delgada o con demasiados bajos.
Medios bajos
El rango entre 250 y 2000 Hz. contiene los armónicos bajos de la mayoria de los instrumentos y puede introducir un sonido parecido al del teléfono si agregas mucho contenido en este rango. Agregar intensidad entre 500 y 1000 Hz puede lograr un sonido de claxón o sonar como si la música estuviera en una caja. Demasiada intensidad en este rango puede causar fatiga a tus oidos.
Medios altos
Entre 2 y 4 Khz. se encuentra el sonido de la voz humana cantada y hablada. Si agregas demasiada intensidad en este rango puede ser que los sonidos de las consonantes m, b y v sean indistinguibles. En este rango también vive el sonido presente de la distorsión de la guitarra eléctrica.
Presencia
Este rango se encuentra entre 4 y 6 Khz. y es responsable del sonido del ataque en la mayoria de los instrumentos, su claridad y definición. Agregar intensidad en este rango puede lograr que la música se escuche más cerca al que escucha. Disminuir intensidad en esta región puede hacer que los instrumentos pierdan claridad y suenen distantes.
Brillo
El rango entre 6 y 16 Khz controla el brillo y claridad de los sonidos. Demasiado enfasis en este rango puede hacer que las voces se escuchen sibilantes. Agregar un poco de intensidad agrega el sonido natural del aire en voces.

Frecuencias predominantes

La próxima vez que vayas a ecualizar un instrumento puedes tomar como punto de partida la siguiente lista. Te puede ayudar a encontrar muy rápido el área que quieres afectar de un instrumento. Y en realidad estas frecuencias tienen muy poco de mágicas pues debes recordar que como ya dije, solo son un punto de partida y no son un sustituto al hecho de buscar la frecuencia con el ecualizador y encontrar exactamente lo que buscas afectar porque cada instrumento es diferente y fue grabado de una manera distinta.

Bajo eléctrico
Fundamental 50 a 80Hz, ataque 700Hz, brillo 2.5Khz.
Bombo
 Fundamental 80 - 100Hz, sonido "vacio o de caja" 400Hz, ataque 3 - 5Khz.
Tarola
Base 120 - 240Hz, medios 900Hz, ataque 5Khz, brillo y "snap" 10Khz.
Toms
Fundamental 240 - 500Hz, ataque 5 - 7 Khz.
Tom de piso
Fundamental 80Hz, ataque 5 Khz.
Hi Hat y Platillos
"Clang" 500 Hz, brillo 8 - 10 Khz.
Guitarra eléctrica
Fundamental 240 - 500 Hz, presencia 1 - 2.5 Khz.
Guitarra acústica
Fundamental 80 Hz, cuerpo 240 Hz, presencia y ataque 2 - 5 Khz, brillo 12 Khz.
Organo
Fundamental 80 Hz, cuerpo 240 Hz, presencia y ataque 2 - 5 Khz.
Piano acústico  
Fundamental 80 Hz, presencia 3 - 5 Khz, sonido de cantina 2.5 Khz.
Metales
Cuerpo 120 Hz, sonido incisivo 5 Khz, aire 16 Khz.
Voz
Fundamental 120 Hz, graves 240 Hz., presencia 5 Khz., sonido sibilante 4 - 7 Khz, aire 12 - 16 Khz.
Cuerdas
Cuerpo 240 Hz., sonido de cuerdas y arco 7 - 10 Khz.
Congas
Cuerpo 240 Hz, ataque 5 Khz.

15 tips esenciales de ecualización
Este es el titulo del articulo de hoy y es un conjunto de ideas generales que puedes aplicar cuando estés mezclando y sea momento de usar un ecualizador. Algunos de estos fueron tomados de algún libro, son conocimiento común entre ingenieros o vienen de algún articulo antes publicado, y otros de ellos son mis propias recomendaciones. Asi que leelos, estudialos y ponlos en practica y tu propia experiencia te llevará a agregarle más de estas ideas a tu propia lista

1. Trata de no agregar mucha intensidad en cierto rango de frecuencias a un solo instrumento. Intenta primero reducir contenido en ese mismo rango en otros instrumentos y muy probablemente llegarás al resultado que buscabas. De esta manera consigues un mejor sonido, no desperdicias espacio en la mezcla (headroom) y no alteras drásticamente el sonido de un instrumento.
2. Haz lo posible por no ecualizar un instrumento en solo, a menos que exista una parte critica del instrumento que desees escuchar.
3. Un instrumento cuando está en solo no necesariamente se debe escuchar bien. Muchas veces los instrumentos en solo suenan muy mal, pero cuando escuchamos toda la mezcla en conjunto nos damos cuenta de que aunque en solo suene mal en conjunto suena muy bien.
   
4. A veces te vas a dar cuenta de que estás ecualizando un instrumento que no necesita ecualización. Muchas veces te vas a dar cuenta de que hay instrumentos muy bien grabados a los que no hay que hacerles ningun cambio. 
5. Si la grabación está bien hecha necesitas poco o nada de eq. Muchas veces el simple hecho de empujar hacia arriba los "faders" hace que la mezcla suene sin necesidad de ecualizar.
6. Siempre es mejor remover las frecuencias que no quieres escuchar que agregarle intensidad a las que si quieres escuchar. 
7. Antes de agregar sustrae. Si crees que a un instrumento le falta brillo puede ser también que le sobran frecuencias bajas. 
8. Es fácil perderte en un mundo de plugins y hardware estéticos. La prueba de ácido para la ecualización es simplemente poner el plugin o hardware en modo de "bypass". Si suena mejor cuando el eq no está en funcionamiento mejor descartalo.
9. Cuando de frecuencias bajas se trata estás buscando claridad en vez de solo buscar que el cuarto donde estés vibre. Asegurate de agregar un filtro High pass a los instrumentos que realmente no lo necesitan. Por ejemplo una voz no necesita nada de contenido abajo de 80 Hz, lo unico que agregan esas frecuencias son el sonido del pie del cantante golpeando el atril y la motoconformadora que pasó cerca del edificio cuando se grababa esa voz.  
10. Los canales de efectos y particularmente reverbs agregan contenido de bajos que la mezcla no necesita. Es buena práctica agregar un filtro high pass a los retornos de efectos. 
11. Si agregas 10dB a 240 Hz, 10dB a 500 Hz, 10 dB a 1 Khz y 10dB a 5Khz lo unico que estás haciendo es elevar la intensidad general de ese instrumento. Nuestros oidos a veces nos hacen pensar que si subimos el nivel se escucha mejor. Pero no permitas que tus oidos te dejen caer en esa trampa.
12. Evita hacer ajustes solo porque "en general este ajuste se hace a x instrumento". No agregues intensidad a 5 Khz para escuchar el ataque solo porque sabes que es un bombo. Escucha primero. Es como la sal en los alimentos. Prueba primero antes de agregar.
13. Es imposible agregar contenido de una frecuencia a un instrumento que para empezar no lo tiene. 
14. Agregar contenido a las frecuencias alrededor de 16 Khz a una voz va a ayudar a escuchar el sonido del aire saliendo de la boca del cantante. 
15. Entre menos instrumentos tengas en la mezcla cada uno de ellos debe ser más grande. De la misma manera entre más instrumentos tengas en la mezcla lo menor que debe ser cada uno para caber en la mezcla. 

Ecualiza para lograr que los elementos de la mezcla se acomoden entre si, ajustando frecuencias de manera que cada instrumento tenga su rango de frecuencia predominante bien definido

The Mixing Engineers handbook, Bobby Owsinsky, Thomson course technology, 2006, pp. 22-26.
19 Essential EQ Tips, MusicRadar.com [...]

20 cosas que debes considerar al grabar una voz principal 7:00 AM

La voz es el instrumento más dinamico y unico que existe.  Por esta razón es más dificil de grabar que cualquier otro instrumento.  Pero esto no te debe preocupar si consideras los puntos que aqui te voy a platicar y a eso le agregas algo de tu experimentación.
La voz principal es invariablemente el enfoque de una canción, asi que debe ser realmente bueno y como la voz humana es el sonido con el que estamos más familiarizados, la más minima falla se nota inmediatamente.
Suponiendo que tienes un vocalista que canta afinado la mayor parte del tiempo, lograr una buena grabación no debe ser cosa del otro mundo.

En este articulo voy a enfocarme más hacia la parte técnica de la grabación, solo algunos de los puntos que aqui te voy a platicar se refieren a la producción. Me gustaria hablar un poco más de producción, pero es un concepto muy subjetivo y en realidad cada caso es un mundo totalmente diferente cuando lo abordamos con este enfoque.


Podria enumerar probablemente unas 200 consideraciones, pero traté de dejar solo las que creo que son más importantes.

Recomendaciones generales (sin orden especifico):

1. Asegurate de que el cantante haya practicado muy bien, esté comodo y no esté bajo ninguna presión psicologica. Los cantantes hacen mejor su trabajo si  no están cansados y no tienen frio. Si son distraidos por algún miembro de la banda o alguien que se asome, puedes sacar a todo mundo del estudio y solo permite que se queden el productor y el ingeniero. No hay nada peor que un cantante distraido o que se sienta observado
2. Siempre usa un filtro contra pops (el sonido que generan las consonantes "b" y "p"). Si no lo usas es muy seguro que van a resultar "pops" que va a ser casi imposible remover después.
3. Usa un micrófono de acuerdo a la producción y al cantante. Esto en realidad es cuestión de probar varios microfonos y ver cual funciona mejor para cada situación. Pero siempre existen favoritos por los que un ingeniero o productor se inclina y sabe que generalmente funcionan bien, (como un U87, C12, U47, etc)
4. Usa el patrón del micrófono correctamente. En al mayoria de los casos un patrón cardioide (cardioid) funciona mejor, porque este patrón recoge menos señal de los lados y por la parte posterior. Aunque un patrón omnidireccional generalmente le agrega a la señal un sonido muy natural que puede ayudar a la voz de un cantante que batalla con un sonido nasal. Pero debes tener cuidado si el cuarto no tiene un buen sonido, las reflexiones no van a ayudar.
5. Usa el nivel en el preamplificador y la distancia del cantante del microfono para controlar la cantidad de nivel que vas a grabar. De preferencia no uses compresión al grabar voces, en lugar de pidele al cantante que cuando su voz sea intensa se aleje un poco del microfono. Esto el 95% de las veces funciona mejor que un compresor.
6. Graba el audio a 24 bits de resolución y no vas a tener la necesidad de usar un compresor. Aunque en los pasajes más intensos la voz del cantante llegue a -6dB capturaste una excelente grabación. Por grabar menos "caliente" no vas a arruinar el radio de señal a ruido (signal to noise ratio). Lo cual antes no era posible grabando a 16 bits.
7. Manten el dialogo con el artista entre tomas, pero no le hables cuando esté grabando una toma. Periodos largos de silencio en el cuarto de control pueden hacer que el cantante piense que lo estás juzgando, aunque no sea cierto. Haz lo posible por no hacer bromas con el productor o quién se encuentre contigo en el cuarto de control mientras el artista graba y no puede escuchar.
   
8. Mantener una actitud positiva es parte muy importante de tu trabajo. Una broma ocasional puede ayudar a lograr que la sesión avance.
9. Una manera sencilla de que el vocalista mida la distancia entre el y el micrófono es usando sus manos. Solo basta recordarle que se mantenga a "una mano extendida" del micrófono y le va ser muy fácil recordar la distancia. Suponiendo que esa es la distancia que se requiere.
10. Si el aire que sale de la boca del vocalista es un problema puedes acomodar la capsula del micrófono justo arriba de la altura de sus labios. 
11. Si la voz del vocalista es muy "delgada" (poco contenido en frecuencias fundamentales) puedes probar poniendo el micrófono unas 5 pulgadas (15 cms.) bajo el nivel de la boca del cantante y apuntando la capsula hacia arriba. Con esta técnica puedes capturar un rango más amplio porque estás obteniendo un poco más del sonido que viene del pecho del vocalista. Pero también es posible que también recoja el micrófono algunos sonidos extraños.
12. Haz todo lo posible por lograr capturar la mejor toma y en la medida en que sea posible evita conformarte con una toma medianamente buena. De esta manera reduces el tiempo de edición y afinación. 
13. Las herramientas de afinación son para rotocar una grabación bien hecha. No cometas el error de pensar en arreglar los errores de grabación en la edición, afinación o en la mezcla.
14. Tómate el tiempo de hacer una buena mezcla para los audifonos del cantante y agregale a su mezcla un poco de reverb para que cante con más confianza.
15. Si el micrófono con el que vas a grabar es de condensador, asegurate de encenderlo (energizarlo) 30 minutos antes de que la sesión comience. Un micrófono recien encendido suena muy distinto a un micrófono que lleva un rato en funcionamiento.
16. Asegurate de que los audifonos que va a usar el vocalista suenan bien y no tienen fallas intermitentes. No hay nada que detenga una sesión más rápido que unos audifonos que fallan.
17. Si el vocalista principal está grabando voces de fondo o es parte de un ensamble de voces trata de no usar el mismo micrófono que usó para grabar la voz principal. Esto a parte de colorar su voz un poco diferente también va a ayudar a que las frecuencias más prominentes de la voz del cantante no se acumulen y generen problemas en la mezcla.
18. Si tienes la posibilidad utiliza un convertidor análogo a digital externo de alta calidad. Recuerda  siempre esclavizarlo al reloj de la sesión.
19. Recuerda que tu grabación va a ser siempre tan buena como el eslabón más debil de la cadena de tu señal. De poco sirve tener el mejor preamplificador y el convertidor AD más caro si el cable entre ellos tiene fallas intermitentes. 
20. Si deseas que el vocalista cante más suavemente baja el nivel de la pista en sus audifonos. Si deseas lo contrario eleva el nivel de la pista.
    

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Entrenamiento del Oido 7:40 PM

Un ingeniero de grabación, músico o productor musical durante toda su carrera debe mantenerse estudiando  para mantenerse siempre fresco, aprender nuevas técnicas y tecnologías y el entrenamiento del oido es una parte muy importante de su desarrollo profesional. Además, al igual que le damos mantenimiento regular a nuestros instrumentos musicales, equipo de grabación y nuestras herramientas de trabajo en general, no debemos pasar por alto nuestra herramienta de trabajo más valiosa. No me refiero al nuevo micrófono de condensador que acabas de adquirir, o a ese compresor estéreo de la serie G de SSL por el que pasan todas tus mezclas (mi esposa ya sabe con que me podría hacer feliz esta navidad!), me refiero a tus oidos!

Entrenamiento Mental
El entrenamiento del oido es en realidad entrenamiento de tu mente, porque la apreciación de el sonido es experiencia aprendida. Conforme avanza la tecnología nos damos cuenta cual era la falla de la tecnología anterior y conforme educamos nuestro oido mas nos hacemos mas exigentes con nuestras expectativas de calidad en la reproducción de los sonidos. Por ejemplo: Si has estado escuchando un tiempo radio AM, la calidad del sonido te puede parecer bueno, pero en cuanto lo comparas con radio FM te das cuenta de la grán diferencia, al igual si comparas radio FM con la calidad encontrada en audio en un disco compacto (44,100 Hz / 16 bits).

El entrenamiento del oido puede ser pasivo o activo. El entrenamiento pasivo es el que puedes practicar todo el tiempo mientras escuchas cualquier sonido y lo analizas. (En la iglesia: "-La voz de ese predicador suena muy nasal y le vendria bien quitarle unos 3 dBs de 16 Khz-", en la calle: "-La sirena de esa ambulancia tiene una frecuencia de alrededor de los 700 Hz-"). Practica siempre escuchar los sonidos que te rodean e identifica sus caracteristicas.

El problema que puede surgir de la actividad de entrenamiento pasivo es que puedes arruinar el disfrute de un  programa musical de los que te rodean. Nunca se te ocurra decirle en el cine a tu esposa o amigos durante la parte más emocionante de la película: "-Me parece que la bocina izquierda está quemada-", o preguntarte en voz alta "-¿porqué habrán utilizado ese reverb tan oscuro para simular el sonido de ese pasillo?-" Asi que si la película o concierto es aburrido tienes mi permiso de analizar cada sonido.

El entrenamiento activo es cuando coordinas tus oidos y tus manos. Es el proceso de aprender a manipular los controles de un sistema de audio para llegar al sonido que tienes en tu cabeza. Al principio esto va a ser muy lento y tal vez te desesperes. Suponiendo que quieras ajustar una guitarra acústica para que suene mas clara en la mezcla,  tu primer instinto puede ser ir al compresor a hacer algunos ajustes, luego te das cuenta que esa no es la solución, vas al ecualizador y agregas contenido alrededor de 5 Khz, te das cuenta que ese sonido no es el que tu cerebro busca particularmente, hasta que le quitas un poco de cuerpo a la guitarra cerca de los 250 Hz y ¡Ahi está!, ¡Eso es lo que buscabas!
Este es solo un caso supuesto, y esos ajustes no tienen relevancia, pero esta  es la forma en que vas aprendiendo a coordinar tus manos y tus oidos para llegar a tu meta que es lo que tu cerebro está escuchando.Con la practica podrás identificar la frecuencia, efecto o proceso problema que hay que ajustar para lograr tu objetivo en el menor numero de pasos.
A veces no sabemos como vamos a resolver un problema, pero tener una meta muy clara es el primer paso para llega a ella. Probablemente para algunas personas identificar el problema sea la parte más dificil para resolverlo. Sobre todo al principio. Como principiantes todos alguna vez comenzamos abordando  un problema con un pensamiento como el siguiente: -"En esa sección algo se escucha extraño, no me gusta, pero no se exactamente que pueda ser-".

"Haz del entrenamiento pasivo una actividad diaria"

Aprende a distinguir los rangos de frecuencias
Este ejercicio pasivo es muy interesante y te va a ayudar mucho en el momento de estar frente a un ecualizador o cuando tienes que distinguir una frecuencia problema. Hay algunas situaciones en las que encontrar una frecuencia problema puede ahorrarte un mal rato a ti y a las demás personas que escuchan. Por ejemplo si eres ingeniero de audio en vivo, encontrar rápidamente la frecuencia de retroalimentación (feedback) a tiempo va a hacer que la gente en una predicación o concierto no te odie cada vez que se comienza a generar uno.
Para entrenar tu oido en los rangos de frecuencias puedes usar sonido rosa (pink noise) o música. Solo es cuestión de que le digas a un amigo que juegue un rato con el ecualizador agregando y quitando intensidad a un rango de frecuencias que el escoja sin que tu lo sepas. Tu tarea va a ser adivinar en que rango lo está haciendo. Tambien puedes hacerlo con filtros, adivinando la frecuencia desde la que está quitando contenido (cutoff frequency).
No pierdas la paciencia si al principio tus oidos están muy lejos de la realidad. Todo es cuestión de practica. Con el tiempo vas a poder distinguir cada rango hasta en intervalos de 1/3 de octava. Cuando lo logres vas a ser capáz de ser muy rápido con el ecualizador.

Al final de este articulo encontrarás material para practicar la identificación de distintas frecuencias.

Aprende a distinguir las diferencias entre distintas razones de muestreo (sampling rate), profundidad en bits (bit depth) y  compresión de datos (mp3)
Es muy util que puedas distinguir entre una grabación hecha a 22,500 Khz SR,  44.1 Khz SR, 96 Khz SR, etc. Escucha con atención que información se pierde cuando a a una grabación originalmente hecha a 96 Khz SR la conviertes a diferentes razones, como por ejemplo a 22,500 Khz.
Haz lo posible por escuchar tu música en formatos que no están comprimidos, usa siempre WAVs o AIFFs. Es mucha la calidad que se compromete cuando conviertes tu música a formatos de compresión como mp3 (menor que 256 Kbps). De preferencia no uses grabaciones en estos formatos como referencia para una mezcla.

Identifica el Comb Filtering y problemas de fase
Este término lo encontré traducido al español de una manera muy extraña. Suena como una traducción al español en un doblaje pésimo para un programa de 911. (¿Filtro de peinado? ¿Qué es eso?!)

Cuando una misma fuente es recogida por dos micrófonos espaciados y es mezclada a un mismo canal este efecto se va a ser muy obvio. Sobre todo si los microfonos son similares y entre ellos hay una distancia de entre 1/2 ft. y 5ft. (Entre 15 cms. y 1.5 mts.).
Lo que sucede es que el segundo microfonó envia la misma señal atrasada algunos milisegundos. Los microfonos se salen de fase y es cuando se empiezan a cancelar.

Aprende a escuchar el sonido de la compresion.
El tema de la compresión va a ser todo un articulo por si solo. Es increible lo que puedes lograr usando un compresor de la manera correcta.  La compresión es el sonido de la música moderna y cada vez se ha estado usando más como un efecto.
La compresión puede hacer que un instrumento o mezcla cobre vida, suene emocionante y a la vez puedes lograr un sonido muy intimo en algunos casos. Pero también es un arma de dos filos. Si usas la compresión de una mala forma puedes tener los resultados más caoticos que puedas imaginar; Puedes dejar una grabación sin vida, hacerla perder el brillo natural que antes tenia, puedes hacer tu mezcla sonar como que se estuviera alejando de ti y muchos otros efectos indeseables.

Reconoce el sonido de la saturación y la distorsión.
El sonido de la satuación es el sonido clásico que muchos buscan darle a sus grabaciones. Técnicamente la saturación es algo que debemos evitar, pero en la practica es una realidad totalmente distinta. Por ejemplo: En una grabación comercial hecha en una consola análoga (tal vez una SSL) es muy común que la mitad de los LEDs de clip (distorsion, saturación) de los canales estén encendidos.
Cuando provocamos que un amplificador de estado solido (solid state) se sature se genera el clipping. Cuando esto sucede, la salida del canal donde la señal deberia ser redonda sale cuadrada. El efecto de esto muchas veces es muy agradable particularmente en los amplificadores de tubo. Esto logra que los sonidos sean más robustos (¿gordos?) y se logra un tipo de compresión. Este mismo efecto se logra con cinta (tape). El sonido es muy agradable.
Aprende a escuchar también la distorsión digital. La mayoria de las veces es bastante desagradable.

Identifica las distintas caracteristicas del sonido de la reverberación (reverb)
Esto lo puedes practicar practicamente en cualquier pasillo por el que pasas, en el baño, cuando entras a cualquier espacio acústico. Pon especial atención al pre-delay (el primer eco solido proveniente de una superficie como una pared), el tiempo que tarda en decaer el sonido, ¿qué frecuencas predoniman?, ¿Escuchas ecos repetidos? (flutter echo)

Reconoce malas ediciones y problemas de polaridad
Las malas ediciones es muy sencillo escucharlas, puede ser el sonido de la saliva entre los labios de un cantante, una frase cortada (a menos que sea Jay-Z en "30 Something"), o el ataque de un instrumento dañado por edición.
En cuanto a polaridad hay varias cosas que puedes hacer para ver si tus monitores están cableados de la manera correcta. Por ejemplo: Si al sonar un bombo el cono de tu monitor se mueve hacia adentro en lugar de hacia fuera sabes que tienes un problema de polaridad. La solución es invertir los cables.
También un sonido caracteristico de esto es que justo al centro de la imágen escuchas un "agujero" y el sonido en general es "delgado" (carente de intensidad en frecuencias bajas)

Ejercicio: Distinguiendo frecuencias
El siguiente material te va a ayudar a aprender a distinguir las distintas frecuencias. Recuerda que para lograr resultados debes ejercitar tus oidos regularmente.
Instrucciones:

1. Descarga los tonos que se encuentran aqui. (también puedes hacer los tuyos a tu gusto con tu daw y un poco de paciencia)
2. Por ninguna razón conviertas esos archivos a mp3. Usalos asi como los encuentras en la página.
3. Cargalos en tu daw.
4. Escuchalos uno seguido del otro con descansos de silencio de 4 segundos entre cada uno.
5. Después de escuchar cada tono escribe en una hoja la frecuencia que crees que escuchas.
6. Compara tus resultados con las respuestas correctas (los nombres de cada tono)
7. practica siempre cambiando de lugar los tonos.

Nota: No practiques con audifonos, usa tus monitores. Siempre ten cuidado de escuchar a niveles responsables (por el bien de tus oidos,  tus vecinos y tu suegra).
Descansa 5 minutos después de cada periodo de práctica de 15 minutos.
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Parte de este articulo fue basado en el tercer capitulo del libro:
Bob Katz; "Mastering Audio"; Ed. Focal Press; ed. 1a; Estados Unidos 2002 [...]

El monitoreo ¿Qué es y por qué me debe preocupar? 12:03 PM

 Hasta hace unos cuantos años, probablemente hasta que el equipo profesional bajó de precio y fue financieramente posible para muchos construir un pequeño (o grán) estudio en su casa para grabar su instrumento o banda, los problemas de monitoreo no eran un tema muy platicado entre músicos, antes de todo esto era solo un tema que se trataba entre ingenieros de acústica y sus clientes que eran los dueños de estudios comerciales profesionales o de quien tenia la capacidad económica de construir y mantener un estudio. Pero con el creciente avance del ambiente digital  en el proceso de producción musical y la accesibilidad que ha adquirido y con la nueva realidad que es que los estudios comerciales están perdiendo sus clientes porque ahora cualquier persona con una laptop y un microfono puede hacer una grabación semi-decente, tenemos un nuevo problema que ahora se discute entre músicos: El monitoreo.
Un ambiente de monitoreo preciso es un requisito indispensable para lograr resultados profesionales y en el momento de decidir construir un estudio comercial o un pequeño estudio en tu casa lo primero que debes considerar es el monitoreo.
En esta parte de este articulo bien vale revelar la conclusión de una vez:
Los monitores por si solos no dictan el 100% de la calidad del ambiente de monitoreo. Los monitores son solo el principio.
Debes prestar igual atención a la posición de un monitor con respecto al otro y respecto a tus oidos, su posición con respecto al cuarto y las propiedades acústicas del cuarto. Todas estos puntos engloban lo que es el ambiente de monitoreo. Pudieras tener los mejores monitores que tu dinero puede comprar, pero si están mal posicionados en un cuarto problematico es como tener un automóvil de carreras formula uno que no arranca.

Asi que veamos con un poco más de detalle cada uno de los aspectos del monitoreo.

Escogiendo monitores - ¿Activos o pasivos?

La salida (output) de tu computadora o consola entrega voltaje e intensidad muy bajos por lo tanto esta señal debe ser amplificada al mismo nivel de tus monitores para que sus componentes mecánicos se puedan mover. Generalmente existe un amplificador en la cadena de la señal para los drivers de los monitores y este amplificador puede estar instalado en el gabinete de la bocina o como una unidad externa. Un monitor sin un amplificador integrado se conoce como monitor pasivo y debe recibir una señal que ya ha pasado por un amplificador externo. Los monitores Yamaha NS10 suenan muy distinto cuando son amplificados con diferentes marcas de amplificadores y distintas frecuencias de voltaje (power rate). El amplificador dicta muchos aspectos del sonido de tus monitores como por ejemplo la distorsión, la reproducción de bajos y medios, el ataque de la señal (transients). Hacer funcionar un monitor con un amplificador ha sido siempre un verdadero conflicto. Los monitores con un amplificador integrado se conocen como monitores activos, tienen la grán ventaja de que le evitan al usuario la interacción de un amplificador con un monitor especifico. Asi que cuando llegue el momento de escoger monitores para el estudio que estás construyendo en tu casa la opción más sencilla y de excelente calidad es escoger monitores activos. Hasta ahora es de conocimiento común que ningun diseño pasivo o activo tiene ninguna ventaja sobre el otro.

¿Entonces cuáles monitores se recomiendan?
Existen tantos modelos, estilos y especificaciones de monitores como músicos, y si en algo no nos debemos fijar mucho es en su diseño (activo, pásivo, monopolo, dipolo), y al decir esto no estoy diciendo que no debemos fijarnos en estos detalles, sino mas bien en lo importante, que es lo que nuestros oidos nos dicen. Lo que buscamos cuando estamos escogiendo monitores no es que suenen extremadamente bien, a lo que me refiero con esto es que no deben escondernos problemas de la mezcla , mas bien nos los deben mostrar.  En especificaciones lo que si debemos considerar es el limite inferior del rango de la respuesta de las frecuencias, es decir: ¿que rango de frecuencias pueden representar bien los monitores?. El oido humano puede percibir entre 20Hz y 20Khz y la música se escucha generalmente entre 45Hz y 16Khz, tomando esto en cuenta de muy poco me van a servir unos monitores que no puedan representar frecuencias superiores a los 8Khz, también hay una gran diferencia entre un monitor que representa efectivamente frecuencias desde 40Hz y otro desde 70Hz!

A manera de analogia, decidirse por un par de monitores es como comprar un automóvil. Aunque el vendedor nos diga todas las especificaciones y nos permita probar el vehiculo dos vueltas a la manzana no sabremos realmente como desempeña el vehiculo hasta que lo manejemos un mes y lo hayamos probado en diferentes condiciones y distintos terrenos. De igual manera un ingeniero se adapta a sus monitores y se familiariza con ellos después de un tiempo y generalmente permanece fiel. En realidad no existe un modelo perfecto que es predecible en cualquier situación, ni siquiera los monitores historicamente más populares (Yamaha NS10) lo han logrado, aun asi hay ingenieros y productores que no quieren escuchar nada en ellos.

Los monitores (de monitoreo cercano o nearfield en inglés) que personalmente uso y recomiendo son los Yamaha HS50M.

El factor cuarto
La verdad es que un par de monitores de alta fidelidad pueden comportarse erroneamente si la acústica en el cuarto donde se encuentran es deficiente. ¿A cuántos no nos sucedio en nuestros primeros proyectos que teniamos nuestra mezcla perfecta y dimos por hecho que esa mezcla sonaria exactamente igual en las bocinas de nuestro automóvil y en el estereo del vecino? Ahi fue donde nos dimos cuenta de que las frecuencias bajas eran exageradas o habían desaparecido completamente, la tarola se perdia por completo y las voces de fondo no eran muy claras. Este problema a todos nos sucedio mas de una vez y es resultado de una acústica deficiente no tratada en el cuarto donde mezclamos. Los modos del cuarto habían sido exitados , y los monitores probablemente estaban mal colocados en el cuarto. La mezcla estaba adaptada a ese cuarto, pero jamás se iba a traducir al mundo exterior como nosotros esperabamos.  Esto nos lleva a la muy conocida frase:

Si no puedes retirar el cuarto de la mezcla, No retires la mezcla del cuarto

Los cuartos de mezcla están diseñados por especialistas expertos; por lo tanto en esta sección solo vamos a cubrir los aspectos más relevantes y que solo competen a un estudio pequeño donde no existe un presupuesto grande donde seria mas convenientecontratar a un experto.

Modos propios del cuarto/recinto/sala
Este es un tema un poco rebuscado, y recuerdo cuando estaba estudiando en al carrera la cabeza me daba vueltas solo de pensar en este tema. Pero para abordar este tema debemos empezar con un poco de teoria que luego despejará algunas dudas.

Si suponemos que de una bocina o monitor en un cuarto emitimos una frecuencia simple y continua , tal vez 1Khz, el sonido se reflejará en algunas paredes, el suelo y el techo y una parte de este tono regresará de nuevo a la fuente. Si la longitud del camino recorrido es igual a la longitud de onda del tono, la onda reflejada estará en perfecta fase con la onda proveniente del monitor y se sumará a la que se está emitiendo, reforzando dicha frecuencia. A esta onda le llamamos onda estacionaria y cuando hablamos de las propiedades acústicas de un cuarto esta onda conforma uno de los modos propios de dicha sala. Además cualquier multiplo de esa onda estacionaria también generará una onda estacionaria y por lo tanto un modo nuevo.

En la forma en que se generen las ondas estacionarias podemos hablar de:

Modo Axial: cuando la onda se genera entre dos superficies.

Modo Tangencial: resultado de la reflexión en cuatro superficies.

Modo Oblicuo: formado por la reflexión en las seis superficies.

Debido a que en cada reflexión la onda pierde parte de su energía, los modos axiales son los más fuertes, seguidos de los tangenciales con aproximadamente la mitad de energía (-3 dB), y por último los oblicuos con unos 6dB menos que los axiales.

Si en lugar de un tono de 1Khz emitimos algo más complicado como música, el número de ondas estacionarias aumenta. Al conjunto de todas ellas les llamamos Modos propios del recinto o cuarto, y su presencia provoca una coloración en todo el espectro o rango de frecuencias pues unas de ellas son reforzadas y otras no.

Te pudiste haber perdido toda mi explicación sobre los modos, pero la ultima frase "unas de ellas son reforzadas y otras no" captura muy bien la esencia de la explicación. Lo importante aqui es que tu sepas que cuando la música se refleja en las diferentes superficies en el cuarto donde estás reproduciendo tu música algunas frecuencias están siendo alteradas en intensidad y otras no. Esto es lo que va a hacer que escuches tu mezcla muy lejos de la realidad, por esta misma razón cuando pruebas tu mezcla en otro cuarto con otros monitores tu mezcla suena totalmente diferente.

Esta gráfica nos muestra de una manera analitica los cambios de intensidad de diferentes frecuencias provocadas por los modos en un cuarto.
 
Tratando los modos de un cuarto
Para tratar los modos de un cuarto necesitamos tratar las reflexiones. Esto se logra con dos conceptos: difusión y absorción. Los difusores modifican el sentido de propagación de la energia del sonido incluyendo la energia de bajas frecuencia econtrada en las ondas estacionarias (que terminan siendo modos). Los absorsores absorben la energia del sónido.
Los difusores no son muy bienvenidos en cuartos pequeños, en parte porque en posición cercana al punto donde escuchamos puede alterar la respuesta en una manera negativa en vez de ayudar.
Los absorsores son muy prácticos. La idea es muy simple: Si absorbemos el sonido que llega a las paredes, la energia reflejada es menor por lo tanto minimizamos el efecto de los modos en el cuarto.
Las frecuencias altas ya son absorbidas por materiales que existen en el cuarto como la alfombra, alguna cortina o la misma gente dentro del cuarto. Entonces a lo que nos debemos enfocar es a tratar la respuesta de las frecuencias bajas que generalmente crean mas problemas en las esquinas de un cuarto. Para estos este caso existen algunas compañias que ofrecen materiales de tratamiento acústico para crear nuestras trampas de bajo. Generalmente no son muy caras. Algunas de las compañias que ofrecen este tipo de material y mas material educativo para entender estos conceptos y como aplicar estos tratamientos son RPG, RealTraps y Auralex.

Posicionando los monitores ¿donde acomodarlos en el cuarto?
Realmente esta es una cuestión de experimentación y de que es lo que funcione para ti. Lo que se debe tratar de evitar a toda costa es que los monitores estén localizados con una ventana tras ellos. Esto lo que genera es reflexiones indeseadas.
Siempre lo que va a funcionar es buscar la mejor posición de los monitores en el cuarto, esto puede tomar algo de tiempo debido a que hay que escuchar música a través de los monitores, frecuencias simples y caminar alrededor del cuarto tratando de escuchar la mejor posición donde una grabación conocida suena lo mejor posible.
Hay gente que recomienda que los monitores disparen el sonido a lo largo del cuarto y nunca a lo ancho, y que la posición del ingeniero debe ser exactamente a una tercera parte de la longitud del cuarto.

El triangulo equilatero
La manera más común es acomodar los monitores formando un triangulo equilatero con la cabeza del ingeniero, teniendo los oidos a la misma altura que los monitores. Esta es la manera más aceptada para escuchar criticamente una grabación. Algunos lo que hacen es medir con un hilo las distancias entre los monitores y la posición de escuchar. A esto hay que agregar que se debe considerar un ángulo de incidencia de 60 grados dentro del triangulo.

Comparando grabaciones en distintos monitores
La mayoria de los ingenieros tienen mas de un par de monitores para escuchar sus grabaciones. Esto se hace porque cada par de monitores tiene un sonido muy particular, respuestas de frecuencia distintas, profundidad e imagen. [...]

Empezando con el blog 10:53 AM

Este año cumplo mi proposito de año nuevo (empezando en octubre) de empezar mi blog de Ingeniera y producción. Asi que por aqui puedes esperar que escriba un articulo sobre ingenieria cada semana o dos veces por semana. También vamos a tener de vez en cuando entrevistas de músicos, de ingenieros y productores, y no les vamos a preguntar cuestiones personales, vamos a preguntarles lo que realmente nos interesa; sobre sus técnicas, consejos, ideas y cualquier cuestión sobre ingenieria que nos ayude a ser mejores en lo que hacemos. Se aceptan sugerencias sobre cualquier tema que quieras que cubramos y también hay oportunidad de hacer comentarios sobre los articulos que yo escriba.
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